Por: José Eliécer Palomino Rojas.

El concepto de arte a partir de su origen etimológico, procede de la lengua latina ars, artis y del idioma griego Texvn (téchne), que significa “Técnica”. De ahí que la técnica fue usada en la antiguedad durante la transición del paleolítico al neolítico, como aquel arte rupestre o pintura en las rocas, presente en distintos lugares o escenarios, a modo de las cuevas de Lascaux en Francia, donde sus hallazgos arrojaron pinturas de caballos, venados y bueyes. De igual forma se encontraron pinturas en las cuevas de Altamira en España y en Tanzania (AFrica), sólo que éstas representaban escenas humanas: hombres cazando, bañándose y peleando, quizá por una mujer, o por su espíritu gregario que les permitía poder sentirse bien o para lograr un objetivo común.

Hasta en nuestras décadas han llegado numerosas muestras de esculturas y grabados sobre piedras, hueso o asta (prolongación de tipo oseo de los animales vacunos llamado cuerno), con el nombre de arte mobiliar. Este arte mobiliar trata de reproducciones de animales con bastones grabados que se suponía, eran un símbolo de autoridad y poder; igualmente sobresalieron pequeñas esculturas femeninas llamadas Venus Paleolíticas, cuyo significado, se relacionaba con el culto a la fecundidad. Venus como la de Dolné Vestonice (Moravia República Checa), similar a la escultura de Fernando Botero por la voluptuosidad y voluminosidad, pero con la diferencia, que la Venus Mágica del Paleolítico, era esculpida en piedra, hueso, asta, con senos desproporcionados, caderas anchas, e hinchadas barrigas, en donde su rostro carecía de detalles.

Otra apariencia importante que concierne a las pinturas rupestres, es que estas pinturas no fueron elaboradas con una finalidad artística, aunque fueran realizadas con pigmentos minerales (carbón, ocre…), que se combinaban con grasa y se extendían en las rocas con los dedos y plumas de aves; sino que buscaban tener un sentido mágico, quizá propiciatorio para la cacería.

Si bien el arte en el paleolítico tenía un sentido mágico, se podría manifestar que el arte en el neolítico refleja y refuerza las diferencias sociales en términos de status, edad y género con aplicaciones de técnicas artesanales en donde los materiales y colores del neolítico se elaboraban con estética y prestigio, con valor social estético e, incluso mágico o protector, convirtiéndose en amuleto, con sus collares de piezas ambar, conchas marinas, brazaletes etc.

En cuanto a los colores usados en ésta época del neolítico, en cuestión de pintura y cerámica, siguen siendo habituales del paleolítico los colores rojo, negro, ocre, aunque el color blanco empezó a emplearse con mayor abundancia. Con respecto al tatuaje corporal, pudo haber sido durante este período un símbolo social, religioso incluso terapéutico, en donde los tatuajes por su ubicación en el cuerpo significarían un remedio curativo, los cuales vistos en la actualidad serían expresiones por moda, recordatorio o por generar polémica.

A lo largo del tiempo el arte se ha clasificado de muy diversas maneras, desde la prestigiosa época medieval, entre las artes vulgares (mecánicas), pasando por la moderna distinción entre las bellas artes aplicadas, hasta la multiplicidad contemporánea.

Siguiendo los diversos criterios artísticos desde los orígenes de la humanidad hasta nuestros días, se pueden dar a conocer algunos tipos de artes:
-Las Artes Plásticas, las cuales explotan elementos como el plano, las líneas, el volumen y la textura.
-Las Artes Mayores, cuyo propósito es la contemplación estética como la pintura, la Jóven del Arete de perlas de Vermeer, o la escultura de “David” de Miguel Ángel.
-Las Artes Menores, Aplicadas o Utilitaristas, expresan plasticidad, subordinación al principio de utilidad como se aprecia en la ebanistería, orfebrería, los vitrales, mosaicos y en las artes decorativas.
-Artes Musicales o Sonoras, permiten al ser humano expresar sus talentos por medio de la música.
-Artes Literarias o Literatura, entre las que se conjugan la narrativa, la novela, el cuento, la poesía, el ensayo y la dramaturgia (arte y técnica de componer o poner en escena dramas teatrales).
-Artes Escénicas, su interdisciplinariedad permiten la transversalización con el teatro, la danza, la ópera, etc.
-Artes Audiovisuales, involucran las expresiones artísticas con recursos sonoros (cine, video-arte, video clip) etc.
-Artes Espaciales, expresan tangibilidad, percibidas en la arquitectura, la pintura, la escultura, el grabado, litografía, el dibujo, la fotografía entre otros.
-Artes Temporales, por su inmaterialidad involucran principalmente la música y la literatura en todas sus expresiones.
-Artes Espacio Temporales, la combinación de espacialidad y la temporalidad permite resaltar en este tipo de arte, el teatro, la danza, el cine , el video arte etc.

En la visión establecida con sentido crítico a partir del renacimiento, en el universo de las artes plásticas, se determinó una separación entre arte y artesanía; en donde el arte expresa piezas únicas atribuídas al carácter de determinado autor. En cambio la artesanía manifiesta la repetición de un modelo tradicional con procesos manuales industriales de un modo secuencial.

En sentido estricto, es preciso señalar y deducir que esas connotaciones de la sincronización en el arte, ha permitido unir el cuerpo, el espacio, el tiempo, hasta lograr una manifestación de armonía en el ser humano.

A través de la historia de la humanidad, hasta la época actual, tales manifestaciones de arte sincronizado desarrolladas de generación en generación, han inferido en las exposiciones de artes realizadas por grupos de artistas desde variadas profesiones, docentes que con sus aportes talentosos dejan su sello inmortal, como es el caso de la maestra Marta Raquel Medina Morales, quien en sus obras de arte plasma diversas figuras artísticas, dentro del espacio, las formas, los colores, las texturas, las sensaciones kinestésicas, que permiten la percepción del equilibrio y el movimiento en sus experiencias vivenciales y visuales. De esta forma la Docente Marta Raquel Medina Morales, demuestra que sus criterios en cuanto al arte, convergen junto con las apreciaciones de filósofos, sociólogos, psicólogos, al expresar que el arte permite pensar, actuar de forma flexible y creativamente, con la posibilidad de ver más allá, decir lo no dicho, preguntar osadamente hasta potenciar la capacidad de intuición; por tanto conocer y comprender el arte hace que las personas sean activas, conscientes y críticas.

En el aspecto sustancial la artista Marta Raquel, trata de comunicar su concepción o su sueño, las emociones, los estados de ánimo que quisiera compartir con su público; y con su forma artística, y tiene claro que constantemente, crea y recrea reglas en sus discípulos y en el público.

No hay que olvidar, que es de vital importancia; para obtener una educación artística sincronizada entre estudiantes, grupos de espectadores, público en general, se deben tener en cuenta rasgos como: la relevancia, los recursos, la territorialidad, la colaboración, la reflexión y la multidisciplinariedad, que conlleve a los futuros artistas a enamorarse de la vida, hasta despertar el encanto de crear arte desde su propia existencia.

¿Es posible que en algunos países, comunidades, grupos sociales, instituciones educativas, se coarten los espacios, para la enseñanza y exposiciones de obras de arte, que lo único que propende es propiciar en la humanidad una salud mental con calidad existencial?.

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